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在數位設備盛行的時代,一定有不少人試過把自己的吉他彈唱錄下來。但卻在回放的時候,覺得聲音跟想像的不太一樣——人聲跟吉他總有一個偏小、平衡感不好,聲音可能有些地方有些不清楚,或者覺得有點模糊…如果你也有這樣的經驗,可以先看看這篇用手機錄音就能讓木吉他更好聽?,了解手機錄音的限制在哪裡。
錄音比想像中難一點點,但也不必得有一間錄音室,擁有很複雜麥克風與設備才能夠開始。比如說 1982 年,Bruce Springsteen 在臥室架了一台卡帶錄音機、兩支麥克風,一個晚上錄完 15 首歌。那些錄音本來只是 demo,最後卻只做了一點點的混音就直接發行——那張專輯叫《Nebraska》。

這樣的案例在音樂史上並不罕見,也說明著音樂的成就不必與昂貴、複雜的設備有絕對的關連。設備是工具,重要的還是使用的人,如何透過對的知識理解,發揮麥克風等設備對應的作用。
當然,如果你有兩支以上的麥克風、或者已經熟悉了分軌錄音的流程與後製,那肯定能讓人聲和吉他各自獨立錄製,給予更大的後製彈性。但對剛開始的人來說,兩支麥克風意味著更多的設備負擔、更複雜的設定與學習曲線。
如果還在嘗試與學習,或者想要重現 60 年代民謠歌手的純粹——這篇文章就從這裡開始,探討一隻麥克風,怎麼同時錄好彈與唱。
一隻麥克風同時錄吉他與人聲,最常會碰到這些問題:
標準的錄音方式是把人聲和吉他分開錄,吉他有時候還會用上兩支以上的麥克風。這樣做的好處是後製彈性大,每個聲音都可以獨立調整。
但自彈自唱有一種難以言說的整體感——彈奏的力道會影響你唱歌的方式,唱到投入的時候手的彈奏也會跟著變化。分開錄的時候,這種相互呼應的微妙很難再現,會讓錄出來的聲音準確乾淨,卻少了點什麼。同時錄彈奏與唱歌的方式,反而能把這個當下完整留下來。
Nick Drake 在 1972 年錄《Pink Moon》的時候,整張專輯只有吉他和人聲,錄音方式極其簡單——一把吉他,一個人,一隻麥克風。
Paul Simon 的《The Paul Simon Songbook》(1965)也是同樣的邏輯。一隻麥克風,同時收人聲和吉他,也成為重要的作品之一。
舉這兩個例子,不是把特例當常例。只是想讓大家知道,除了捕捉「完美」以外,音樂的魔力在於情感的真實傳遞。
要用一隻麥克風同時收吉他和人聲,電容麥克風會是比較適合的選擇。動圈麥克風的靈敏度相對低,指向性也比較強,對多個音源同時收音需要的條件較嚴苛。如果對麥克風連接電腦或錄音介面的線材與接頭還不熟悉,可以先參考這兩篇:一次搞懂演奏時遇到的音訊線材與接頭,以及平衡訊號與立體聲?XLR、TS、TRS 是什麼?
大多數電容麥克風是心型指向(Cardioid),以正對振膜的方向收音最靈敏,兩側和後方的聲音會被抑制。心型指向有一個附帶特性叫做近接效應(Proximity Effect):麥克風離聲源越近,對低頻的敏感度會遠高於高頻。這個特性也直接影響了接下來提到的:麥克風擺放。
雖然雲聲是音訊專業的公司,沒辦法給太多唱歌方面的建議。但我們還是會建議大家先設定一個讓氣息比較通暢的起始位置,習慣這個位置的彈與唱,避免錄音因為氣息、彈奏的不舒適受到影響。

整體麥克風的擺設,可以參照圖示作為起點,並依照實際體感做調整:
因為每個人的唱歌方式、吉他彈奏習慣、吉他特性等都不同,很難有一應萬變、絕對正確的指引。建議先從上面的位置開始,錄一小段,戴上耳機聽回放後,再對應去調整出屬於自己的位置。
很多事情不見得要「完全準備好」才能開始。你的吉他與歌聲,只需要一隻麥克風跟文章中的知識與邏輯,就能錄出一個讓自己滿意的版本。
當按下錄音鍵的那一刻起,每次的彈、唱與回放檢視,都會幫助你更理解自己的歌聲、琴聲,從中知道怎麼在下一次的錄音時,呈現出更好的結果。